Schwerpunkt Charles Ives. Elbphilharmonie Hamburg.

19:00 Uhr Einführung, 20:00 Uhr, Etage 12, Bereich B, Reihe 6, Platz 7



Edgard Varèse – Density 21.5 für Flöte solo 

Dmitri Schostakowitsch – Sonate für Viola und Klavier op. 147

(Pause)

Elliott Carter – Scrivo in vento für Flöte solo
Charles Ives – Sonate Nr. 2 „Concord, Mass., 1840-1860“
(Adam Walker – Flöte, Tabea Zimmermann – Viola, Pierre-Laurent Aimard – Klavier)


Varèse: Eine intime Hommage an ein Instrument, die so akustisch ausgefeilt wohl nur in dieser Halle zu realisieren ist – diese Feinheiten! Perfekt wäre es mit Kartoffelsäcken anstatt des übrigen Publikums ... welche Kontraste – Dynamik und Ausdruck. Herr Walker ist ein absoluter Könner.

Schostakowitsch: Ebenfalls akustisch beeindruckend (Pianissimo, insbesondere der Bratsche, Flageolett erster Satz), aber darüber hinaus eines der berührendsten Werke, die ich je live kennenlernen durfte. Vergleiche mit Mahlers letzten beiden Sinfonien tun sich auf. Der Finalsatz ist ein Wunderwerk der Empfindsamkeit, des Ton gewordenen Abschieds. Wie sich Viola und Piano ergänzen, buchstäblich zusammen situativ neue, doch so vertraute, tröstliche Klangspektren im Zweifel und im Schmerz aufblühen lassen, ist beinahe beispiellos. Ich brauche eine Aufnahme!

Carter: Nochmal krassere Kontraste – Varèse 2.0. Schönster Flötenton aller Zeiten. Ansatzlos zartes Crescendo aus dem Nichts, wechselt mit brutal hart schneidendem Zischen etc. – Flötenspiel auf atomarer Ebene.

Ives: Eine Offenbarung – ich wurde eine Dreiviertelstunde in den Steinway gesogen. Alles, was (nicht nur) moderne Musik leisten soll: stimulieren, faszinieren, transzendieren. Diese Dichte! Erster Satz: Gleichzeitigkeit halbwegs tonaler Einzelteile, ein Wahnsinn, da reinzuhorchen, zu scannen. Unglaublich der Effekt der Violasekunden! Genial als Schatten, der über die Bühne weht (Fachkundiger Kommentar dazu: „schon witzig, dass sie das mit der Geige auch eingebaut haben ...“). Zweiter Satz: diese Steigerungen, Eruptionen, tonale Splitter, der Klang gewordene Duft! Dritter Satz: Diese Schönheit, zauberisch, innig empfunden, entwaffnend – melodiös. Finale: Ton gewordener Humanismus (vgl. Einführung). Die Flötenmelodie als Fenster ins Verständnis, Beethovens Ringen, wenn auch nicht überwunden, aber mit ihm versöhnt, Blick in eine (tonale) Utopie.

Fazit: welch ein Glück, dass die Musik weiterhin solche persönliche Uraufführungen für mich bereit hält – tiefe Dankbarkeit.

Gustav Mahler Jugendorchester – Vladimir Jurowski. Elbphilharmonie Hamburg.

20:00 Uhr, Etage 13, Bereich E, Reihe 3, Platz 13



Béla Bartók – Konzert für zwei Klaviere, Schlagzeug und Orchester Sz. 115
(Tamara Stefanovich – Klavier, Pierre-Laurent Aimard – Klavier)

(Pause)

Dmitri Schostakowitsch – Sinfonie Nr. 8 c-Moll op. 65


Ich kann mich nicht erinnern, mit dem Bartók-Konzert zuvor jemals in Berührung gekommen zu sein, weder ausschnittsweise und ganz sicher nicht zur Gänze. Auch wenn ich kein ausgemachter Bartók-Fan bin, schaffen es seine Werke doch immer wieder, mich von der fraglosen Meisterschaft zu überzeugen, die ihnen in Sachen Konzeption oder Instrumentation innewohnt. Die persönliche Premiere heute war dann aber schon eine ungewohnt harte Nuss, zumal meine Konzentrationswilligkeit durch einen notorischen Nasenschnaubling arg auf die Probe gestellt wurde. Nichts desto trotz vermute ich, dass sich das Stück bei wiederholtem Studium sehr wohl, von einigen überaus interessanten Stellen – insbesondere im dramatischen ersten und ruhigen zweiten Satz – ausgehend, zu einem spannenden Ganzen für mich entwickeln kann. Auch gerade aufgrund der klanglichen Nähe zur sehr geschätzten Musik für Saiteninstrumente, Schlagzeug und Celesta.

Nach der Pause tritt Herr Jurowski dann tatsächlich den unrühmlichen Beweis an, dass Schostakowitsch auf 13 E kein Garant für akustische Wonnen sein muss. Wenn das Konzert ein Gutes hatte, dann in der Vergewisserung, wie sehr mich diese Musik doch gleichermaßen fasziniert wie bewegt– nur leider nicht heute mit diesem Orchester unter dieser Leitung. Vielleicht lag es mit an der über das vorgeschriebene Maß angewachsenen Besetzung (unter anderem 10 Kontrabässe, jeweils vier Trompeten und Posaunen statt der notierten drei; fünf (?) statt vier Hörner etc.), dass das Klangbild sehr häufig die Schwelle zum Lärm ohne fokussierten Effekt überschritt. Aber auch wenn man das Orchester nach der Devise „alle kommen dran“ aufstellt, um möglichst vielen der jungen Leute das gemeinsame Erlebnis zu ermöglichen, sollte man als Dirigent schon ein Gespür dafür haben, wann man den Bogen überspannt. Zumal als designierter Petrenko-Nachfolger in München – nach dieser Leistung blicke ich noch wehmütiger auf das Jahr 2021. Dass man das Gustav Mahler Jugendorchester in der Elbphilharmonie durchaus glänzen lassen kann, hat Ingo Metzmacher im letzen Jahr (Link) bewiesen, heute lassen sich die Eindrücke eher unter gehobenes Mittelmaß zusammenfassen.

Die Defizite im Detail: Die Streicher enttäuschten am meisten – kein Samt, schwache, uninteressante Klangfarbe. So fällt beispielsweise die schwebende Begleitung des Englischhornsolos im ersten Satz ungewohnt nichtssagend aus, keine Spur von Transzendenz. Beim ruppige Beginn des dritten Satzes ist die Artikulation durchaus zupackend, dabei dennoch fahl. Zudem man nicht immer als Einheit auftritt – in diversen Momenten sind die ersten Violinen nicht zusammen. Die Holzbläser mit ihren bittersüßen Soli bleiben unauffällig, das Blech wirkt präsent, jedoch mit einer vulgären Note – könnte eigentlich als Kompliment gemeint sein, in der Wirkung heute allerdings eher forciert/plump. Die Posaunen trotzdem mit einigen beeindruckenden Momenten.

Nun zu Jurowski: das Hauptproblem mit ihm ist, dass er viel zu schnell zu laut wird, eine dynamische Differenzierung der Steigerungen und Ausbrüche findet kaum statt. Vielleicht sollte ihm jemand sagen, dass der überfallartige Einsatz von schierer Lautstärke nicht als Dramaturgie zählt, zumindest nicht als intelligente. Im Ergebnis bekommt das Orchester die Kraft nicht auf die Straße, der Druck fehlt, die kolossalen Höhepunkte zerfasern in Krach. Des weiteren herrscht auch strukturell eher Einheitsbrei vor. Ich hätte nicht gedacht, dass man die Sogwirkung, die die stetige Entwicklung und unentrinnbare Steigerung des Kopfsatzes bietet, verfehlen könnte – doch, kann man.

Der zweite Satz ist einfach nicht präzise genug vorgetragen, die Artikulation nicht bissig genug – Jurowski verwechselt das allenfalls mit trockener Härte, dennoch bleiben Klangbild und Ablauf wischiwaschi. Dem maschinenhaften Beginn des dritten Satzes fehlt es ebenfalls an Schneid. Weniger Haudrauf, mehr Daumenschraube wäre gefragt. Hier und da greift der Herr Maestro dann doch dynamische Kontraste auf (Largo), aber selbst dann bleibt alles nur an der Oberfläche. Wenn Musik wie diese, die ungleich mehr als nur Musik ist, zu sehr nach Handwerk mieft, dann verliert sie ihre Fähigkeit, ein Stück Menschsein zu transportieren. Das heutige Konzert war ein Paradebeispiel, wie man diese Anklage gegen Leid, Unterdrückung und Unbarmherzigkeit zur leeren, lärmigen Hülle verkommen lassen kann. Ich bereue es zutiefst, diese Misshandlung in Ermangelung der Fähigkeit, sich einfach in Luft aufzulösen, erduldet haben zu müssen.

Orchestra of the Age of Enlightenment – Sir Simon Rattle. Laeiszhalle Hamburg.

20:00 Uhr, Parkett links, Reihe 5, Platz 16















Gabriel Fauré – Pelléas et Mélisande / Suite op. 80
Maurice Ravel – Klavierkonzert Nr. 2 / Klavierkonzert für die linke Hand (Pierre-Laurent Aimard)
Zugabe: Claude Debussy – Ondine

(Pause)

Claude Debussy – Prélude à l'après-midi d'un faune
Claude Debussy – La Mer
Zugabe: Erik Satie / Claude Debussy – Gymnopédie Nr. 1


So klingt er also, der vielzitierte Erard, oder vielmehr ein Exemplar aus seiner traditionsreichen, mittlerweile jedoch weitgehend ausgestorbenen Familie. Macht sich optisch ganz gut auf der Bühne der alten Dame Laeiszhalle, das braungemaserte Ungetüm auf Schnörkelpfoten. Der Klang, den Herr Aimard ihm entlockt, ist für den historisch interessierten Konzertgänger nicht uninteressant, dokumentiert in erster Linie jedoch den Fortschritt, mit dem ein moderner Steinway das Gehör zu ergötzen vermag.

Mögen Authentizitäts-Fetischisten diesen speziellen Ton zu schätzen wissen, um dem Idiom eines Konzertes zur Ravel-Zeit nachzuspüren, halte ich es lieber mit den Errungenschaften des Instrumentenbaus in Bezug auf Volumen, Differenzierung und Ausgewogenheit. Der braune Schwan singt schon eine ganze Ecke dünner, unrunder. Insbesondere die mittlere Lage verrät das Alter und die Nähe zur Herbheit der historischen Aufführungspraxis. Ich kann mir durchaus vorstellen, daß man von diesem „archaischen“ Klang eingenommen wird – ist halt Geschmackssache.

Genau wie die Frage, ob man durch das tierische Geschnaufe von Herrn Aimard von seinem intensiven, faszinierenden Vortrag abgelenkt wird oder nicht. Ich hatte da so meine Probleme (und das als glühender Gould-Verehrer!). Im Ernst: das Ravel-Konzert zog mich über die Maßen in seinen Bann – woran das französische Duo ganz klar seinen Anteil hatte. Auch auf das Programm bezogen für mich der Höhepunkt des ganzen Abends. Das ist der Ravel, wie ich ihn mag, messerscharf, phantasievoll, kontrastreich, mit einem Hang zum Grotesken – eben Elemente, wie ich sie z.B. auch an Britten liebe.

Verliebt habe ich mich auch in dieses Orchester. Was für ein Klang! Der Samt der Streicher, die Anmut der Holzbläser, der Stolz des Blechs – sind das historische Instrumente, wie das Programmheft vermeldet? Hätte ich nicht herausgehört. Keine Ahnung, wie alt die Geigen sind – gut sind sie und ihre Bediener, und wie!

Dazu Sir Simon als der gewohnte Klangfuchser. Immer wieder scheint es, als halte er ob des Farbenreichtums der verschiedenen Partituren mit seinem Orchester einen Moment inne, um eine besonders schöne Stelle wie ein funkelndes Stück Kristall von allen Seiten im Sonnenlicht zu betrachten. Dabei besteht jedoch nie die Gefahr, das große Ganze könne auseinanderfallen, zu verwoben, zu organisch ist der mäandernde Fluß des Klangkörpers.

Vertrauteste Gestade wie Debussys Dichtungen werden mit frischem Zugang angesteuert. Traumpianissimi, wohligste Bögen, atmende Steigerungen, druckvollste dynamische Entladungen. Unter solcher Behandlung gelingt selbst ein Kitschnäpfchen wie Saties Gymnopédie als scheue Neuformung.

Konzerte wie dieses bringen mich Debussy & Co. vielleicht am Ende des Tages nicht nachhaltig näher, gewähren mir aber einen versöhnlichen Blick in jene, mir fremde Welt. Das ist doch etwas.