Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – Leslie Suganandarajah. Theater Koblenz.

19:30 Uhr, Parkettrang links, Reihe 1, Platz 199

Das ist schon bizarr. Jedes Mal aufs Neue, wenn ich dieses faszinierend radikale Werk erleben darf, frage ich mich, welcher Prozentsatz im Publikum überhaupt ansatzweise mitgeschnitten hat, was ihm da gerade vor den Latz geknallt wurde. Die allgemeinen Reaktionen gehen hier ja oft von teilnahmslos über irritiert bis hin zu erheitert. Einfach krass, angesichts der Tatsache, dass man einer einzigen großen Abrechnung jenes Lebens-Konzeptes beiwohnt, das wir mehr oder weniger alle im Saal mittragen. So würde es zumindest der Pessimist in mir formulieren. 

Wobei sich dann genauso die Frage stellt, was denn nun verwerflicher ist – die Brisanz, will meinen die Relevanz des Stückes für sich selbst zu übersehen und beispielsweise für den sich zu Tode fressenden Jack nur ein beherztes Lachen übrig zu haben, das keinerlei Anstalten macht, im dafür sprichwörtlich und vom Autor vorgesehenen Halse stecken zu bleiben, sondern selbigem unbedarft frei entfleucht, oder aber die Botschaft zu erkennen, ohne jedoch nach dem Verlassen des Tempels der Erkenntnis etwas an seinem Leben zu ändern.

Aber mal halblang, fällt da der Optimist in den verworrenen Gedankengang ein, man kann auch alles künstlich kompliziert machen. Botschaften hat das Stück eine Menge, mitunter einige, die es sicher gründlich zu hinterfragen gilt, aber wenn so ein Abend auch nur ein bißchen zum Grübeln über sich und die Welt angeregt hat, dann ist doch schon viel gewonnen.

Ein Gewinn war dieser Abend fürwahr. Zum einen weil es vom musikalischen Standpunkt aus eine gelungene Premiere war. Deniz Yilmaz gibt einen überzeugenden Jim Mahoney mit Durchsetzungskraft und schönem Schmelz. Sowohl seine Kumpane als auch das Ganoventrio sind ordentlich besetzt, (Wieder-)Entdeckung des Abends ist jedoch Marysol Schalit, die ich als Jenny schon seinerzeit in Bremen bewundern durfte (Link), deren Qualität sich nicht allein in einer schönen Stimme erschöpft, sondern die mit ihrer Präsenz für die intensivsten Momente des Abends sorgte. Kälter und unterschwellig triumphierender kann man das bitterböse „Denn wie man sich bettet ...“ wohl kaum dem verzweifelten Jim entgegnen.

Chor und Orchester rundeten den positiven Gesamteindruck ab, einzig das Dirigat hätte für meine Begriffe ruhig noch etwas akzentuierter, ja aggressiver ausfallen können, gerade um die mitunter rhythmische Schärfe und blockhafte Aneinanderreihung der Nummern zu betonen. So legte Herr Suganandarajah eher gemäßigte Tempi und eine etwas statische Lesart an den Tag. Unverständlich bleibt mir jedoch das plötzlich einsetzende, hektisch hinfort eilende Accelerando in der Steigerung der Arie Jims („Nur die Nacht“), welche selbige leider nach zauberhaft ruhig atmendem Beginn zunichtemachte. Schade um die wundervolle Stelle.

Darüber hinaus zeigt sich in Koblenz wieder einmal, daß Mahagonny die Regisseure offenbar zu besonders kreativen Arbeiten inspiriert. Auch diese Inszenierung wartet mit einer Fülle an Ideen auf, die das skurrile Treiben wunderbar frisch und knallig vor unseren Augen ausrollen. Der heterogenen Bilderfolge mit ihren vielgestaltigen musikalischen Ausdrucksformen begegnet die Regie mit einer breiten Palette an visuellen und szenischen Mitteln. Die Ausstattung reicht dabei von lapidar „Selbstgebasteltem“, wie dem kleinen havarierten Pappauto, das sich Dreieinigkeitsmoses in der Introduktion umgeschnallt hat oder dem Fernseher und Kamera aus Pappe, mit denen er und Fatty den Appell an die Städter als Mahagonny-Werbespot verpackt richten, bis hin zu aufwändigen Projektionen nebst ausgefeilter Lichtregie.

Hauptaufgabe der Videoinstallation ist es hierbei, der Entwicklung der Netzestadt eine weitere, gewissermaßen als Folie über die Handlung gelegte Entwicklung zur Seite zu stellen – die Entstehung und Ausbreitung der digitalen Revolution, der Computerisierung, Digitalisierung, des Internets, letztlich der (digitalen) Globalisierung. Klingt auf den ersten Blick vielleicht konstruiert, erweist sich im Abgleich mit den Geschehnissen aber überraschend deckungsgleich, da wir als Zuschauer hier wie dort dem Weg des Geldes folgen, besser gesagt, dem Streben nach demselben, dem Ausloten des Möglichen, Machbaren, Kapitalisierbaren – Krise(n) und (möglicher?) Kollaps inbegriffen.

Dabei geht es dem Regieteam meinem Empfinden nach weniger um eine 1:1 Übertragung der Handlung ins sogenannte Digitale Zeitalter, als vielmehr um eine Verquickung der kapitalismuskritischen Botschaft des Stückes mit uns nur allzu gut bekannten Bildern, Zitaten und Marken unserer Zeit. Wobei das mit dem „uns“ vielleicht so eine Sache ist – womit sich mir noch einmal die eingangs gestellte Frage stellt nach dem, was das Publikum so „mitschneidet“. Nicht, daß ich diese wunderbare Inszenierung selbst in Frage stellen wollte, es entbehrte nur nicht einer gewissen Ironie, als die Rednerin der Einführung über den täglichen Gebrauch von Smartphones und Emojis philosophierte und ich von meinem Randplatz eher fragende Gesichter bei der doch meist silberbeschopften Zielgruppe wahrnahm. Aber gut, man hat ja im Zweifel Enkel ...

Ne, Spaß beiseite, diese Form der „Aktualisierung“ ist mir weitaus lieber als so manche bemühte Verpflanzung einer Opernhandlung, die man sonst gern mal erdulden muß. Und am Ende ist es wahrscheinlich auch egal, ab man die einzelnen Anspielungen auf Marken der New Economy bzw. deren Logos im Detail decodieren kann, das Bild einer bunten, oberflächlichen Konsumwelt entsteht auch so. Natürlich ist es ungleich komischer, wenn man die Figur der Borg-Queen aus Star Trek kennt, als deren Inkarnation die Begbick in der Gerichtsszene ihre Mahagonny-Schäflein an unsichtbaren Schnüren im Sinne der pervertierten Rechtsprechung dirigiert – ein treffenderes Bild (digitaler) „Schwarmintelligenz“ ist kaum denkbar – aber auch ohne dieses Nerdwissen versteht man: Wir sind Mahagonny – Widerstand ist zwecklos!

So wohnen wir also gespannt der Gründung dieser vermeintlichen Paradiesstadt bei, flankiert von der grünlichen Illumination der ersten Pixel-Zellteilung. Beide Systeme entwickeln sich rasant, jedoch nicht ohne Hindernisse – der ausbleibende Geldsegen Mahagonnys wird von einem Systemabsturz begleitet. Aber der tote Punkt ist hier wie dort Beginn ganz neuer Möglichkeiten. Schöne neue Grafik- und Konsumwelt. Wobei den eigentlichen Umbruch erst jene Nacht bringt, in der, wie es so schön auf dem Zwischentitel heißt, „ein einfacher Holzfäller die Gesetze der Glückseligkeit erfand“. Alles ist erlaubt – solange man nur dafür bezahlen kann.

Die Illustration dieses radikalen Konzeptes des totalen Konsums erfolgt mit den bereits angesprochenen Insignien der digitalen Revolution. Ob Internet-Auktions- oder Warenhaus, ob Suchmaschine oder Soziales Netzwerk, Soft- und Hardwareriese mit Lifestylemission oder Weltmarktführer-Browser, sie alle tauchen in Form von Schlagworten in Unternehmenstypografie und wandelnden Logos/Icons auf, zu denen die Mitwirkenden per Ganzkörperkostüm gemacht werden und geben den vier Parolen (Fr)Essen, (Boxen) Kämpfen, Lieben, Saufen eine zeitgemäße Konnotation.

Unterstützend kommen auch hier Videoprojektionen zum Einsatz. Besonders gelungen wie sinnfällig die Umsetzung des Boxkampfes zwischen Joe und Dreieinigkeitsmoses, den Ausschnitte verschiedener Computerspiele begleiten, vom simplen Telespiel über immer ausgefeiltere virtuelle Welten bis hin zu den in allem Realismus ausgelebten Gewaltorgien moderner Shooter oder Beat ’em ups: Die Sehnsucht nach Zerstreuung, das Lust- und Suchtpotenzial des (spielerischen) Wettkampfs, die Befriedigung von Allmachtsphantasien im stillen Kämmerlein – all das schwingt in dieser kurzen Sequenz mit.

Die mechanisch abgespulte Routine der „Liebesakt“-Szene („Jungens macht rascher!“) korrespondiert mit dem zur abstrakten Virtual Reality-Schönheit duplizierten Antlitz Jennys, an dem sich die „Kunden“ ergötzen und vergeblich in physischen Kontakt zu treten suchen. Anonymität und Bilderkult. Gewissermaßen die Weiterentwicklung des Computerportraits Jennys, welches im ersten Akt während des Kennenlernens von Jim und Jenny über den beiden thront, nachdem er sie erworben hat und von ihr nach seinen Vorlieben befragt wird, was schon hier die Brücke zu Internetpornografie oder Cyber Sex schlägt.

Die Inszenierung ist reich an intelligenten Verknüpfungen dieser Art, sie allesamt aufzuzählen, wäre eine ebenso abendfüllende Tätigkeit wie der Besuch der Oper – einfach mal nach Koblenz gondeln und erleben. Das Stück als solches ist schon jede Anfahrt wert. Ich bin immer wieder verblüfft, wie stark das Konzept Brechts/Weills mich berührt, ohne dabei in erster Linie wie so oft mit emotionaler Überwältigung, sondern vielmehr scharf pointierter Entwaffnung zu operieren. Eine Form von Offenheit, ja Unverhohlenheit, derer sich mein Geist und Herz nur schwer erwehren können. Wobei insbesondere im dritten Akt schon die permanente Gefahr besteht, in einer „Alles Scheiße, Deine Elli“-Stimmung zu versumpfen: Die Welt ist schlecht – ich hab's kapiert!

Doch ganz so beschissen ist die Lage vielleicht doch nicht, besieht man sich, in welch mitreißende, überbordend schlaue und gleichzeitig beseelte Musik der Herr Komponist all die ätzende Kritik gegossen hat. Galle und Genuß, in diesem Werk ist beides auf das Befremdlichste, Berührendste miteinander verschmolzen. „Ganz genau wie in dieser großartig schrecklichen und schrecklich großartigen Welt“, raunen Pessimist und Optimist einander zu. Und freuen sich bereits auf die nächste Inszenierung dieser makellosen Katastrophe.


Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – Kurt Weill
Musikalische Leitung – Leslie Suganandarajah
Inszenierung – Marcus Lobbes
Bühnenbild – Pia Maria Mackert
Kostüme – Miriam Grimm
Video – Michael Deeg
Dramaturgie – Rüdiger Schillig
Choreinstudierung – Ulrich Zippelius

Leokadja Begbick – Monica Mascus
Fatty, der „Prokurist“ – Mark Bowman-Hester
Dreieinigkeitsmoses – Nico Wouterse
Jenny Hill – Marysol Schalit (für die erkrankte Hana Lee)
Jim Mahoney – Deniz Yilmaz
Jack O’Brien – Junho Lee
Bill, genannt Sparbüchsenbill – Christoph Plessers
Joe, genannt Alaskawolfjoe – Jongmin Lim
Tobby Higgins – Junho Lee

Opernchor (Damen und Herren)
Extrachor (Herren)
Staatsorchester Rheinische Philharmonie

Hamburger Camerata – Gustav Frielinghaus. Laeiszhalle Hamburg.

20:00 Uhr, Parkett links, Reihe 11, Platz 1



Johan Sebastian Bach – Brandenburgisches Konzert Nr. 5 D-Dur BWV 1050
Géza Frid – Divertimento für Streichorchester op. 11
Johan Sebastian Bach – „Jauchzet Gott in allen Landen“ Kantate für Sopran, Trompete, Streicher und Basso continuo BWV 51

(Pause)

Antonín Dvorák – Romanze für Violine und Orchester f-Moll op. 11
Antonín Dvorák – Streicherserenade E-Dur op. 22
Zugabe: Franz Schubert – Salve Regina in A-Dur, D 676

(Gustav Frielinghaus – Violine und Leitung, Katharina Persicke – Sopran, Henrik Wiese – Flöte, Christoph Semmler – Trompete, Albrecht Schmid – Cembalo)


Was genau qualifiziert eigentlich ein Konzert zum „Festlichen Weihnachtskonzert“? Der Umstand, daß es kurz vor Weihnachten stattfindet? Ein besonders festliches Programm (wobei dann noch eine Definition für „festlich“ ausstünde)? Der beherzte Einsatz von Solotrompete, am besten in einem Stück von Bach – wenn sich schon aus kapazitären Gründen der Einsatz des beinahe obligatorischen Weihnachtsoratoriums verbietet? Ok, ok, blöde Frage, blöder Einstieg. War nur so eine Überlegung, ob es nicht vielleicht mal interessant wäre, ein solches Konzert derart programmatisch zu schnüren, daß es von einem roten Weihnachtsfaden ebenso ungewöhnlich wie zwingend – dabei gern auch festlich – zusammengehalten wird, wie man es von manch ambitionierten Konzeptionen der laufenden Saison kennt (vgl. „Song of Night“ (Link)).

Aber genug davon. Auf der Habenseite steht ein angenehmer Abend hoher musikalischer Güte, abwechslungsreich und stimmungsvoll. Die Hamburger Camerata zeigt sich einmal mehr als Klangkörper, dem man seine Ohren getrost anvertrauen darf. Einzig auf interpretatorische Feinheiten, wie sie mich noch im letzten Konzert begeisterten, musste heute in Ermangelung eines entsprechenden Gestalters am Pult verzichtet werden. Nicht, daß der Konzertmeister die Sache nicht zusammenzuhalten wußte, nur hätte die Ausführung insgesamt hier und da noch etwas nuancierter und somit spannender ausfallen können, gerade auch weil das Programm selbst eher konventionellen Charakters war.

Sämtliche Solisten zeigten eine tadellose Leistung, mir persönlich ist insbesondere das virtuose Spiel des Cembalisten während der Kadenz in soghafter Erinnerung geblieben. Frau Persicke besitzt eine schöne Stimme, deren Volumen und Timbre allerdings in einem Stück wie dem als krönende Zugabe gewählten Salve Regina mit seinen langen Bögen und innigen Momenten, der ganzen Anforderung an Phrasierung überhaupt, deutlich besser zur Geltung kommen, als im wendigen Koloraturgalopp der Kantate.

Fazit: Ende gut, alles gut. Auf ein musikalisches 2016!

Fidelio – Thomas Dorsch. Theater Lüneburg.

19:00 Uhr, Parkett rechts, Reihe 15, Platz 7

Nachdem sich die erste Irritation über eine, sagen wir mal, gewöhnungsbedürftige Akustik gelegt hatte, die neben einigen Unsicherheiten die Wirkung der Ouvertüre doch arg minderte, sollte sich alles – dem Vorbild der Handlung gemäß – im Laufe des Abends doch noch zum Guten wenden.

Das Theater Lüneburg mag baulich nicht gerade das Opernhaus meiner Träume sein, die Beiträge der Mitwirkenden ließen diesen Abstecher in die Heide dennoch zu einer lohnenswerten Neuentdeckung im doppelten Sinne werden. Denn es galt nicht allein das Haus, sondern gleichermaßen das Werk kennenzulernen – stellte Fidelio doch bislang eine der prominentesten Bildungslücken in meinem Repertoire dar. Und ich muß es noch einmal betonen: Auf solche Weise ein Stück zum ersten Mal live präsentiert zu bekommen, ist schon ein erfreulicher Umstand (Ich denke mit Schaudern an den vermurksten Erst-Freischütz in Darmstadt zurück (Link)).

Unvergängliche Musik ist das eine, eine vernünftige Inszenierung aber ebenso dringlich für einen Abend, der im Gedächtnis bleibt – positiv wohlgemerkt. Zum Gegenteil reicht meist schon ein verhunzter Faktor aus. Keine Spur davon in Lüneburg. Die musikalische Seite war mit einer ordentlichen Orchesterleistung und gutem Ensemble mehr als brauchbar aufgestellt, hinzu kam eine ebenso reduzierte wie schlüssige Inszenierung, die den Kern des Werkes in einfachen, gleichsam vorbildlich fasslichen Bildern transportierte.

Die Geschehnisse auf einer vorgelagerten, den Orchestergraben bedeckenden Bühne spielen zu lassen, umringt von den Choristen, die gleichzeitig als Mitwirkende wie Zuschauer in Erscheinung traten, sorgte für eine interessante Fokussierung angesichts eines ansonsten weitgehend auf Requisiten verzichtenden Bühnenbildes. An einer Stelle wurde gar eine Zuschauerin in die Handlung integriert, indem sie der schwärmerischen Marzelline beim Zusammenlegen der Laken half – ob einstudiert oder nicht, eine schöne Idee, um stellvertretend die Zuschauer insgesamt (emotional) zu involvieren.

Und auch sonst überzeugte der kammerspielartige Zugang. Große Oper entsteht eben nicht immer aus der Größe der eingesetzten Mittel. Ein Bügelbrett und ein Korb mit Wäsche lassen die heimische Stube erstehen, zwei Leitern markieren den Raum, der den Inhaftierten für ihren Gang im Gefängnishof bleibt. In der Kerkerszene braucht es nur ein, zwei aufgestemmte Bretter der Bühne und den Einsatz einer Schaufel durch Rocco, um das beklemmende Ausheben des Grabes darzustellen. Dazu einfache, nicht historisierende Kleidung.

Auch wenn mancher diese Inszenierung auf den ersten Blick vorschnell als konservativ oder (zu) unambitioniert abtun könnte – sie ist es nicht, zeigt sich der Einfallsreichtum hier nur eher in Details und kleinen Gesten. Die Todesmasken der Wärter, Don Pizarro mit geschwärzten Augenhöhlen daran anknüpfend. Der buchstäblich an allen Vieren gefesselte Florestan, dessen letzte Fessel auch nach seiner Freilassung nur Leonore selbst zu lösen vermag. Wie den eben noch grimmigen Wachen Blumen als Friedenszeichen in die Gewehrläufe gesteckt werden. Kleine Taten mit großer Wirkung.

Eigentlich ein prima Fazit, aber jetzt habe ich doch die Musik ein wenig zu kurz kommen lassen. Vielleicht mehr noch als der überbordende Jubel des Finales haben mich die leisen Töne des Werkes von seiner Schönheit überzeugt. Der samtig-zarte Einsatz der Streicher in Verbindung mit dem versonnenen Beginn des Quartetts im 1. Akt durch die verliebte Marzelline entfaltete hier und heute eine geradezu betörende Wirkung, wobei sich die Liste derartiger Beispiele problemlos fortsetzen ließe. Jene ruhigen Stellen scheinen auch die Stärke des Herrn Dorsch zu sein, zumindest trat hier immer wieder eine besondere Qualität zum Vorschein, wo sich im Übrigen ein eher unauffällig dienlicher Eindruck ergab.

Von den Sängern möchte ich die beiden Damen besonders hervorheben, da jede auf ihre Art gerade in den bereits angesprochenen innigen Momenten der Partitur für die Höhepunkte an Ausdruck und Klangschönheit sorgten. Herr Kratz gab nicht nur mit stimmlicher Schwärze und Härte, sondern auch darstellerisch einen glaubhaft dämonischen Don Pizarro. Insgesamt wies das gesamte Ensemble keine wirkliche Schwachstelle auf, eine sehr ansprechende Gesamtleistung, zumal für ein Haus dieser Größenordnung.

Somit das eigentliche Fazit: Ganz im Geiste des schmucken Städtchens präsentiert sich auch sein Theater – Klein aber fein. Wiederholungsbesuche wohl mehr als wahrscheinlich.


Ludwig van Beethoven – Fidelio
Musikalische Leitung – Thomas Dorsch
Inszenierung – Hajo Fouquet
Bühnen- und Kostümbild – Stefan Rieckhoff
Dramaturgie – Friedrich von Mansberg

Don Fernando – Volker Tancke
Don Pizarro – Ulrich Kratz
Florestan – Karl Schneider
Leonore – Sonja Gornik
Rocco – Dariusz Niemirowicz
Marzelline – Franka Kraneis
Jaquino – Timo Rößner
Erster Gefangener – Alexander Panitsch
Zweiter Gefangener – Steffen Neutze

Haus- und Extrachor
Mitglieder des Jugendchores der Musikschule
Statisterie
Lüneburger Symphoniker

Hamburger Camerata – Simon Gaudenz. Laeiszhalle Hamburg.

20:00 Uhr, Parkett rechts, Reihe 13, Platz 12



Wolfgang Amadeus Mozart – Eine kleine Nachtmusik G-Dur KV 525

Ralph Vaughan Williams – The Lark Ascending für Violine und Orchester (Ning Feng)

(Pause)

Gustav Holst – A Song of the Night op. 19,1 für Violine und Orchester
Joseph Haydn – Sinfonie Nr. 95 c-Moll Hob. I:95


Manchmal lohnt eben doch ein zweiter Blick. Anders als bei dem eher durchwachsenen Auftritt im Juni (Link) wußte die Hamburger Camerata unter ihrem Chef Simon Gaudenz dieses Mal restlos zu überzeugen. Dabei gab es auf den Tag genau einen Monat nach der „Nachtmusik“ der Hamburger Symphoniker ein kleines thematisches Déjà-vu, diesmal unter dem Holst entlehnten Motto „Song of Night“. Glücklicherweise kann die Geschichte auf eine mittlerweile beachtliche Zahl an Nächten und, viel wichtiger noch, zumindest mehr oder minder gemäß diesem Sujet betitelter Werke zurückblicken, um genügend Stoff für so manches Programm derartiger Ausrichtung zu bieten.

Was kann es Ausgelutschteres geben als Mozarts orchestralen Weltgassenhauer, die kleine Nachtmusik? Umso verblüffender die Wirkung, die von der Darbietung dieses Staubfängers durch die Camerata ausging. Daß Herr Gaudenz ein großer Mozartfreund ist, hat er ja bereits bei meinem letzten Besuch Taten- und vor allem wortreich herausgestellt. Daß er der müden Klingeltonvorlage mit seiner knackigen und differenzierten Interpretation allerdings derart Begeisterndes entlocken würde, hätte ich nie für möglich gehalten. Besser geht es wohl kaum. Spritzig und federnd, dabei ein besonderes Augenmerk auf der Ausgestaltung dynamischer Kontraste, mit dem Ergebnis entwaffnender Lebendigkeit und Frische – wenn die Floskel „als hätte man das Stück zum ersten Mal gehört“ jemals angebracht war, dann hier und heute.

So zwingend die Interpretation, so erlesen präsentierte sich der Klang der Camerata. Zarte, warme Streicher, geschmeidiges Holz, tadelloses Blech. In der Einführung kam Herr Gaudenz auf das Streben nach Vielseitigkeit, nach der richtigen klanglichen Umsetzung für Werke verschiedener Epochen zu sprechen. Das Konzert lies der Theorie gleichsam anschaulich wie vollendet Taten folgen. So war es eine Wonne, nach dem belebenden Mozart bei dem sich aus zartestem Nichts entwickelnden lieblich-romantischen Idyll aus der Feder Vaughan Williams’ gewissermaßen eine zweite Camerata zu entdecken. Welch ein Pianissimo! Und auch hier: ein ausgenommen feiner Streicherklang, allerdings dem Stück gemäß in gänzlich anderer Farbgebung. Überhaupt verblüffend, wie die im Vergleich zu einem „ausgewachsenen“ Sinfonieorchester reduzierte Anzahl Musiker in der Folge den typisch satten, spätromantischen Sound fortspann, mit dem Vorteil, Transparenz und Durchhörbarkeit angesichts jener Besetzung nie einzubüßen.

Bei der Wahl des Solisten hat man heute mit Ning Feng ein besonders glückliches Händchen bewiesen. Sein warmer, von lupenreiner Intonation geprägter Stil, krönte die sensible, feinsinnige Darbietung des Orchesters. Ist schon eine ganze Weile her, daß ich mich so uneingeschränkt am Spiel eines mir bis dato unbekannten Geigers erfreut habe. Ning Fengs Vielseitigkeit schloß dabei nahtlos an die unausgesprochene Maxime des Konzerts an – von den hauchzarten Girlanden der aufsteigenden Lerche zum eher klassisch konzertierenden, dabei wunderbar gesanglichen Part in Holsts Nachtstück. Für dessen Aufnahme ins Programm ich mich noch besonders bei den Verantwortlichen der Camerata bedanken möchte. Wer Holst sagt, muss eben nicht immer auch „Planets“ sagen. Eine meiner Lieblingskompositionen des Briten – Egdon Heath – wäre vielleicht auch etwas für zukünftige Planungen. Ebenso wie „A Song of the Night“ eine fragile, zudem verwunschene Angelegenheit, die ich nach der heutigen Leistung in besten Händen wüßte.

Generell hat das Konzert wieder einmal gezeigt, wie wichtig eine ausgewogene Programmgestaltung doch für die Aufnahme der einzelnen Bestandteile ist. Der Haydn bot so als Klammer den perfekten Abschluß für eine Folge, die eben nicht allein aus den bekannten Kammermusik-Hausgöttern bestand, sondern gerade von den spannenden musikgeschichtlichen Kontrasten lebte. Keine Monokultur, sondern Erkenntnis- und Aufmerksamkeitsgewinn durch sich stetig neu ergebende Bezüge historischer Entwicklungen, Gegensätze und Gemeinsamkeiten. Wobei dieses Vorgehen gerade auch die „Evergreens“ strahlen läßt, wie ich als bekanntermaßen eher neuzeitlich orientierter Musikfreund meiner heutigen Begeisterung für die Herren Mozart und Haydn entnehmen konnte.

Fazit: Getreu dem Motto „Was schert mich mein Geschwätz von gestern“ nehme ich vorbehaltlich mal meine Skepsis zurück und möchte diesmal mit einem weitaus hoffnungsvolleren Ausblick schließen – wer diese Qualität abzurufen imstande ist, dem sollte seine Zukunft jedenfalls keine Sorgen bereiten dürfen. Das wäre nach diesem Abend, oder, um im Bild zu bleiben, dieser Nacht, jedenfalls eine Schande.

Peter Grimes – Markus Poschner. Theater Bremen.

19:30 Uhr, Parkett links, Reihe 3, Platz 13
















Das Theater Bremen nimmt durch eine Reihe musikalischer wie inszenatorischer Ausnahmeleistungen in den letzten Jahren bei mir einen besonderen Stellenwert ein – heute mußte ich allerdings schweren Herzens zur Kenntnis nehmen, daß jede Serie einmal ihr Ende findet. Dieser Peter Grimes ist nicht meiner, und das hat gleich mehrere Gründe.

Die Inszenierung ist beileibe keine unreflektierte, geschweige denn uninteressante, jedoch nimmt die Regie mit ihrer Sicht auf Grimes eine Interpretation des Titelcharakters vor, die zum einen eine sehr einseitige Lesart der Geschehnisse nach sich zieht und dadurch die Tragik der Ereignisse für mich eher simplifiziert. Das Konzept, nachdem die Handlung als verzerrte Wahrnehmung Grimes’ gedeutet wird, der als sensibler, träumerischer Außenseiter keinen Zugang zu den Konventionen der ihn umgebenden Gesellschaft findet, wird zwar stimmig und konsequent verfolgt, unterschlägt jedoch gerade die Ambivalenz, die den Fischer in Brittens Werk auszeichnet.

Die Frage nach Ursache und Wirkung drängt sich auf. Was hat Grimes so verbittert, so schroff und abweisend werden lassen, wo er doch untrüglich auch eine andere Seite besitzt, wie man in den berührenden Szenen seines philosophischen Monologs in der sturmumtosten Kneipe („Now the Great Bear and Pleiades ...“) oder seiner von lieblicher Musik umspielten Vision eines Familienlebens („In dreams I’ve built myself some kindlier home ...“) erfährt? Diesen Charakter allein auf die Facette „Träumer“ zu reduzieren, birgt die Gefahr, den Begriff – wenn man gemein ist – auch einfach durch „Spinner“ ersetzen zu können. „Selbst schuld“ könnte man kalt resümieren – war ja klar, daß so jemand nicht mit der harten Realität seines Umfelds klarkommt. Der „Ausweg“ des Selbstmords ist hier selbst gewählt, Balstrodes „Ratschlag“ kommt aus Grimes’ Munde, weder Ellen noch der Kapitän sind anwesend, als Peter diese Entscheidung für sich trifft.

Ist es nicht ungleich erschütternder, dem Scheitern eines Mannes beizuwohnen, der eigentlich Kraft seiner zupackenden, stoischen Art geradezu prädestiniert für den (wirtschaftlichen) Erfolg in dieser rauen Wirklichkeit der Menschen am Meer gewesen sein müsste? Der eigentlich der größte Fischer von allen hätte sein können, ja hätte man ihn gelassen, wäre er gerade wegen seiner Ambivalenz nicht auf solche Ablehnung bei den schlichten, braven Bürgern gestoßen. Grimes geht nicht zimperlich mit seinen Lehrjungen um, soviel steht fest. Man könnte ihn wohl einen Choleriker nennen, in jedem Fall einen von Ungeduld getriebenen. Vielleicht nicht die ideale Fürsorgeperson. Die genauen Todesumstände des ersten Lehrjungen bleiben im Dunkel, wahrscheinlich hat er ihm zuviel zugemutet.

Die eigentliche Tragik speist sich jedoch aus der Reaktion der Gemeinschaft, die viel mehr an seinem Scheitern, seiner Verfehlung interessiert ist, als dem Hilfebedürftigen – wie es sich doch für barmherzige Christenmenschen gehört – die Hand zu reichen, um zukünftiges Unheil abzuwenden. Die versagte Hilfe der Dorfbewohner beim Festmachen des Bootes gleich zu Beginn des ersten Aktes zeigt dies unmißverständlich. Versagte Hilfe. Zudem Versagen der Helfenden. Auch hier geht es nicht um einfache Mechanismen der Schuld oder Schuldzuweisungen. Ellen und Balstrode sind ebenso wahre Freunde, wie auch sie unter dem gesellschaftlichen Druck letztlich scheitern, den Freund fallen lassen.

Was kann es Schlimmeres geben als die Entwicklung des von beiden unisono postulierten „We shall be there with him“ zur Aufforderung Balstrodes in Anwesenheit Ellens, sich mit dem Boot selbst zu versenken? Er hätte auch noch ein „Es ist so für alle das Beste“ ergänzen können, der Gedanke wird seinen „guten Rat“ geleitet haben. Daß sich all dies nur im Kopf eines sich ausgestoßen Fühlenden abgespielt haben soll, nimmt meiner Ansicht nach eine Menge von der Wucht und Brisanz der ganzen Verkettung. Tragisch ist auch diese Version, ohne Zweifel, aber die Frage danach, welche Wechselwirkung zwischen Gesellschaft, besser noch einer (vorgeblichen) Gemeinschaft und einem Individuum herrscht, welches eben nicht völlig außer ihr, sondern nur einen Schritt zu weit von ihr entfernt steht, erscheinen mir ungleich mehr Material zum Nachdenken zu bieten als die traurige Geschichte „Peter Grimes kommt nicht klar“.

Doch auch wenn ich gewillt wäre, mich auf diese Interpretation der Regie einzulassen, funktioniert die Inszenierung für mich nur bedingt. Es gibt starke Bilder, wie das auf dem Wasser treibende, provisorische Haus als Ausdruck für Peters halt- und hilflosen Seelenzustand. Eine fragile Verbindung zum Ideal des „Home“, dessen letzter Rest schließlich auch von den Flammen verschlungen wird, ihn vollends entwurzelt zurücklässt. Gleichzeitig beraubt jene Fixierung auf dieses eine, wenn auch variantenreich eingesetzte Ausstattungsmerkmal das Bühnenbild mehr oder weniger seiner strukturierenden, gliedernden Funktion der einzelnen Orte und Stimmungen der Handlung – eine gewisse Monotonie macht sich breit, wo doch gerade diese Oper auch von den Kontrastwirkungen der Szenenfolge lebt, die häufig mit den musikalischen Kontrasten einhergehen.

Aber auch innerhalb einer Episode wie den Geschehnissen in der Kneipe während des Sturms hätte ich mir insgesamt einfach mehr szenisches Handwerk gewünscht. Die äußere Bedrohung durch das Unwetter, das Ablenkung und Zerstreuung suchende Treiben der Dorfbewohner, der darin fast entrückt anmutende Auftritt Grimes’ – all die Feinheiten und Reibungen gehen in der Abstraktion dieser Inszenierung nahezu unter, die ihr Hauptaugenmerk auf die Visualisierung der grotesk verzerrten Wahrnehmung des Protagonisten legt.

Auch hier bleibe ich dabei: das wirklich Groteske speist sich weniger aus einem fratzenhaften, albtraumhaften Auftreten der Dorfbewohner, als vielmehr aus den Gedanken, Worten und Taten, die den braven Hirnen, frommen Mündern und rechtschaffenen Händen dieser durch und durch normalen, einfachen Leute entstammen. Kein Spuk, kein Voodoo, kein böser Zauber, sondern der gute alte Dorftratsch und das ewig verlockende Prinzip des Sündenbocks, der die eigenen großen und kleinen Schwächen zumindest für den Moment zu verscharren vermag.

Und ja, die karikaturhafte Zeichnung der Meute und Solisten, ihre Untoten gleich geschminkten Gesichter, ihre exaltierten Gesten, sind innerhalb des beschriebenen Konzeptes ebenfalls plausibel, nur evozieren sie neben dem Eindruck des Unwirklichen, Unbehaglichen oft auch einfach nur Momente (unfreiwilliger?) Komik. Albträume sind oft rätselhaft, bizarr – Der Albtraum, den Peter Grimes meiner Ansicht nach durchlebt, zieht seinen Schrecken aus der stumpfen, kalten Normalität eines unbarmherzigen Gefüges. Wobei es natürlich durchaus Aufgabe der Regie sein muß, Inhaltliches in Bildern, als Interpretation oder auch Kommentar zu behandeln. Am Ende liegt es nun mal immer auch an einem selbst, ob und wie ein gewähltes Mittel Wirkung zeigt. Während sich die Stimmen der vier Frauen zu ihrem engelhaft wehmütigen Gesang über das Wesen der Männer vereinen, sehen wir, wie sich in der oberen Kammer des Hauses die vier Abbilder des/der Schiffsjungen gegenseitig erwürgen. Natürlich ist davon bei Slater und Britten nichts zu finden, trotzdem trifft es für mich den Kern dieser Szene.

Abgesehen davon, welchen Anteil die Inszenierung an meiner unerwartet reservierten Reaktion auf diese Produktion hatte, steht außer Frage, daß ich auch musikalisch heute nur bedingt angefasst wurde – ein Umstand, der mich angesichts der Verehrung und tief empfundenen Nähe, die seit jeher mein Verhältnis zu diesem Werk bestimmen, dieses Mal etwas ratlos zurückgelassen hat. Sicher ist ein Faktor dafür in der Besetzung der Titelfigur zu finden. Chris Lysack verfügt zwar technisch über jene Lyrik, die gerade in den zerbrechlichen Schlüsselstellen der Partie unabdingbar ist, berührt mich stimmcharakterlich allerdings leider nicht im Geringsten. Ich erkenne die Noten wieder, das Stück jedoch nicht. Besondere krass und frustrierend im letzten Monolog Grimes’, der mich jedesmal aufs Neue ins Mark trifft – und heute rein gar nichts in mir auslöste. Kein Mitgefühl, keine Trauer, keine Verzweiflung – nur Leere, Hohlheit. Ich möchte Herrn Lysack nicht absprechen, ein guter, vielleicht auch sehr guter Sänger zu sein, den Nachweis zur Eignung als (Stimm)Charakterdarsteller ist er heute zumindest in dieser Rolle schuldig geblieben.

Dabei bot die übrige Besetzung ein vielversprechendes Fundament – wenn ich jemanden besonders hervorheben müsste, dann wahrscheinlich Jason Cox, der als schmierig-hinterlistiger Ned Keene vor allem darstellerisch für pointierte Momente sorgte, und Loren Lang in der Rolle des Kapitäns. Jener verpasste zwar seinen Einsatz beim „We live and let live“, strahlte ansonsten aber stimmlich die Autorität aus, wie sie von dem alten Seebären ausgehen sollte. Wirklich getragen wurde der Abend hingegen von der beherzten Leistung des Chores, der als Kollektiv den heimlichen Hauptdarsteller stellte.

Von Markus Poschner halte ich eine Menge. Seit seiner Lady Macbeth an der Komischen Oper 2007, die den Begriff Raserei quasi neu definierte, durfte ich in Bremen bei Rosenkavalier und Mahagonny unter seiner Stabführung jeweils in jeder Hinsicht Vollendetem beiwohnen. Diesmal sprang der Funke leider nicht so über, obwohl es an Orchesterleistung und Dirigat insgesamt kaum etwas auszusetzen gab. Die Bremer Philharmoniker besitzen einen wirklich farb- und facettenreichen Klang und ihr GMD weiß diesen auch einzusetzen. Vielleicht stand mir heute einfach zu viel im Weg, um mich auf die Musik einlassen zu können.

Fazit: Wenn Herzensangelegenheiten nicht zu Herzen gehen, ist das dumm gelaufen. Objektiv gesehen war der Abend sicher nicht so schlecht, wie ich hier vermittelt habe – aber Objektivität ist nun mal nicht mein Thema. Ein vertaner Abend war es in keinem Fall, und wenn an seinem Ende lediglich aufs Neue die Erkenntnis steht, welch vielschichtiges Wunder Britten mit dieser Oper doch gelungen ist.


Benjamin Britten – Peter Grimes
Musikalische Leitung – Markus Poschner
Regie – Marco Štorman
Bühne – Dominik Steinmann / Anna Rudolph
Kostüme – Sara Schwartz
Musik – Daniel Mayr
Licht – Chris Moos
Dramaturgie – Laura Schmidt

Peter Grimes, ein Fischer – Chris Lysack
John, Grimes’ Lehrjunge – Jakob von Borries, Arne Duprée, Jakob Schade, Ben Wiese
Ellen Orford, eine verwitwete Lehrerin – Patricia Andress
Balstrode, ein pensionierter Kapitän – Loren Lang
Auntie, eine Wirtin – Nathalie Mittelbach
Erste Nichte – Iryna Dziashko
Zweite Nichte – Francisca Prudencio
Bob Boles, Methodist und Dorfprediger – Christian-Andreas Engelhardt
Swallow, Bürgermeister und Rechtsanwalt – Patrick Zielke
Mrs. Sedley, wohlhabende Witwe – Melody Wilson
Horace Adams, Pfarrer – Luis Olivares Sandoval
Ned Keene, Apotheker und Quacksalber – Jason Cox
Hobson, ein Fuhrmann – Christoph Heinrich
Dr. Crabbe – Allan Parkes

Chor des Theater Bremen
Bremer Philharmoniker